“L’habit fait-il le moine ?” Compte-rendu de la séance du 13 janvier 2012

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Compte-rendu de la séance du 13 janvier 2012

« L’habit fait-il le moine » (3)

Sont présents : Viviane Griveau-Genest, Fanny Oudin, Marion Chaigne, Magali Cheynet, Elise Banjenec, Kasser Helou, Stéphanie Richard, Irène Strobbe, Irène Fabry-Teranchi, Julia Conesa Soriano, David Dominé-Cohn, Claire Lefebvre, Sarah Delale, Barbara Falleiros, Emilie Deschelette, Véra Vevrychova, Chloé Chalumeau, Hélène Rochas-Dupraz, Marie Guérin, Diane Chamboduc, Laure Geveriz, Jean-Baptiste Camps, Mathilde Grodet, Morwenna Coquelin et Isabelle Dussardier, Marc Arnaise & Sophie Cattier (les Regrattiers d’Histoire).

Les annonces ouvrent le séminaire. Elise Banjenec signale qu’une association de doctorants de l’UPMC (Jussieu/Paris VI) appelée Doc’Up vient de s’ouvrir aux autres universités du PRES Sorbonne Universités. Le nouveau CA a été élu le 12 janvier et compte 3 doctorants de Paris IV dont Elise. Cette association a trois principales missions : l’information des doctorants sur les possibilités de carrières, les rencontres entre jeunes chercheurs et la vulgarisation scientifique. Pour le moment, le site internet est encore tourné vers les sciences « dures » uniquement mais le but de ce nouveau CA est d’intégrer les sciences humaines aux évènements organisés par l’association. Cela est d’ores et déjà possible dans deux projets : « les chercheurs font leur cinéma » avec la réalisation de courts métrages de vulgarisation scientifique projetés dans les lycées et les universités et « les chercheurs vont à l’école » avec la mise en place de matinées de sensibilisation dans les écoles primaires. Par la suite, d’autres projets seront plus facilement accessibles aux doctorants de Paris IV. Pour plus de renseignements, allez voir le site www.doc-up.info.

Morwenna Coquelin, « Notes sur le vêtement civique »

Morwenna commence par souligner qu’ayant surestimé ses sources en matière de costumes des officiers urbains, elle présente dans le cadre de cette communication des pistes et une synthèse de l’historiographie actuelle sur le vêtement et la ville. En effet, à Erfurt les sources sont lacunaires et il y a peu de réglementation à exploiter. Elle réalise donc une synthèse de la littérature secondaire pour l’aire allemande.

L’étude du vêtement civique peut être abordée sous plusieurs angles. L’angle le plus naturel étant d’étudier la mode comme le moyen d’expression dans un groupe et dans une logique de consommation. Cependant, Morwenna laisse de côté cette approche pour s’intéresser au vêtement comme un élément parmi d’autres qui intervient dans la construction de la ville, de l’identité urbaine et de sa structuration. La ville se donne à voir dans le vêtement de la même manière que par le biais de son sceau, de ses armoiries ou de ses clés. Le vêtement pouvant être pris en charge par la ville, il est offert mais aussi imposé et contrôlé. En outre, ce vêtement est visible, mobile et donne à voir une actualisation permanente dans et hors de la ville. Cette démarche se développe dès les XIIIe et XIVe siècles avec l’essor de la ville après les premières étapes de la constitution urbaine.

L’habit peut être étudié comme une manifestation d’une identité politique. La ville ne peut exister sans muraille et sans marché. Puis des signes distinctifs propres fondent sa personnalité morale comme son sceau et ses armoiries. Le dernier critère enfin qui définit une ville, selon Max Weber, est l’autonomie urbaine et l’autocéphalie. Dans ce cadre, le vêtement des officiers urbains ne peut être ni neutre ni librement choisi par ceux-ci puisqu’il sert à manifester l’action de la ville à travers eux. Le vêtement constitue alors une préoccupation constante des gouvernements urbains. Les comptes d’Erfurt, qui se réduisent aujourd’hui à trois cahiers, rapportent qu’en 1483 une somme importante est affectée aux robes d’été et d’hiver en plus du paiement destiné au tailleur. En 1486, les noms des bénéficiaires y sont ajoutés. Cependant, les seuls pour lesquels la fonction est précisée sont les ménestrels et le valet chargé des grains. Les autres officiers ne sont pas dotés d’habits, comme les forces de sécurité, alors que le domaine du divertissement est habillé par la ville. En 1505, une innovation apparaît. La force militaire est alors équipée de vêtements en lien direct avec son activité et sans doute avec des signes distinctifs, les boucliers présentant les armoiries de la ville. Une partie des officiers urbains sont rémunérés en argent et en nature. Leurs vêtements ne sont malheureusement pas décrits mais puisqu’ils sont conférés par la ville, ils manifestent une autorité sur un individu dans le cadre de sa fonction.

D’autres sources documentaires donnent des précisions : des descriptions et même parfois des images. A Fribourg par exemple, une image du XVIe siècle représente un valet de ville et un serviteur de la ville. Même si cette illustration est assez tardive, le document affirme que cet habit se rapproche très fortement des vêtements urbains plus anciens. Une grande partie des documents ont trait au cas du messager urbain. Les messagers ne sont pas dotés de vêtements par la ville de Fribourg mais à Hambourg, un poste de dépense est consacré à leur vêtement: une tunique, une toge et un capuchon, tous les trois rouges. Ces éléments sont par la suite moitié rouge moitié gris, les couleurs de la ville. A partir du moment où ces messagers arborent les couleurs de leur ville, on ne parle alors plus de robe d’été ou d’hiver mais bien de livrée portée par un service public. Celle-ci signale donc l’autorité de celui qui envoie le message. Une distinction s’opère alors entre les services public et privé. Le messager doit ôter la livrée quand il se met au service d’un particulier. La représentation la plus ancienne (1439-1440) est celle d’un messager de Francfort, extrait d’un livre des messagers qui le dépeint dans ses tenues d’hiver et d’été. L’auteur en est certainement le secrétaire de la ville qui tient ce type d’ouvrage. Sur les deux manteaux, l’aigle impérial est présent, symbole de la liberté de la ville de Francfort. Le messager tient sa lettre en évidence et une pique qui devient peu à peu un symbole de sa fonction. Le nom du bourgmestre écrit en haut du feuillet signifie que c’est lui qui confie le message. Puis le costume se standardise : il comporte une pique, un pectoral et la boîte du messager.

Le vêtement participe d’une culture de la ville et en ville. Il appartient à une mise en scène de la culture urbaine et de sa communication, en partie autour du messager, dont les éléments du costume sont communs à toutes les villes. La représentation d’un messager sur une fontaine au centre de Berne est utilisée pour représenter cette ville. Le messager est alors producteur d’un espace public qui repose sur la conscience de la ville diffusant ses messages. A contrario, d’autres messagers sont cachés dans le cadre de communications secrètes comme pendant une guerre. Les vêtements des offices urbains sont l’occasion pour la ville de manifester son autorité : ils deviennent donc un objet de pouvoir. Par exemple, à Toulouse en 1399 une ordonnance du sénéchal royal limite les dépenses de cette ville en visant particulièrement des postes symboliques de l’affirmation du pouvoir urbain comme les vêtements des ses officiers. Une réordonnance des pouvoirs est donc pratiquée. Les officiers urbains sont alors les seuls à avoir un habit spécifique qui marque leur dépendance à l’égard du gouvernement urbain.

Les informations sur les membres du conseil sont moins fréquentes et moins précises. Sur une image du conseil de Toulouse au milieu du XVe siècle, les conseillers urbains sont représentés dans les couleurs de la ville mais au-dessus de chacun d’eux sont figurées les armoiries de leurs familles. Cela lie l’histoire familiale et l’histoire de la ville. L’élection des conseillers urbains est plus ritualisée. A Brunn, ils portent un manteau bordé de fourrure mais ne sont représentés dans ce costume que pour l’élection. A Montpellier, un document décrit l’élection et la succession “en robe” et “en chaperon” (pièce d’étoffe garnie d’hermine). Cette action symbolise la translation et la permanence du pouvoir de l’ancien conseil au nouveau. On l’observe aussi à Bristol. Cela montre aussi l’égalité et la solidarité à l’intérieur du groupe. Les conseillers ne peuvent pas être plus richement vêtus que le bourgmestre. A Londres, le maire est reçu par les professions dans leurs vêtements symboliques ce qui crée une atmosphère festive et luxueuse célébrant le pouvoir urbain du lord-maire, dans une atmosphère princière. L’habit permet alors d’affirmer la place éminente des conseillers.

De façon plus interne, la façon dont les citadins sont habillés montre à quel point les conseillers se distinguent à l’intérieur de la ville ; par la coiffe et le chapeau en particulier. Le lien entre la domination politique, la domination économique et la constitution d’un groupe social particulier est très visible dans des panneaux représentant le cycle agricole et des saisons à Augsbourg. En décembre, le cortège des conseillers défile dans la ville et, en janvier, entre dans une taverne où un banquet privé des patriciens se tient. Leur vêtement change alors, est plus coloré et agrémenté de bijoux. Les femmes sont présentes également. Les armoiries des familles sont aussi figurées dans la scène qui revêt une dimension plus privée. Ces habits sont identifiables par leur luxe, leurs couleurs éclatantes et la reprise de motifs identifiables dans différentes sources notamment le livre des costumes réalisé à Augsbourg au début du XVIe siècle à la demande de Matéo Schwarz qui y fait son autobiographie en costume. La provenance et la qualité du tissu y sont détaillés et même parfois le coût. Ce sont des sommes très importantes dont il a vraisemblablement conscience. Cette source est intéressante car elle montre le développement d’un goût pour la mode et le paraître dans la société urbaine du XVe siècle. Le patriciat se définit alors par la fête et la théâtralisation du pouvoir.

Le pouvoir urbain contrôle également le vêtement des citoyens en raison de préoccupations économiques – dans l’idée d’éviter la ruine de la ville – mais aussi religieuses et morales. On observe un souci de conserver l’ordre social qui passe par le vêtement et sa visibilité y compris dans la vie quotidienne. Des lois somptuaires fleurissent à partir du XIIIe et XIVe siècles. Les autorités y précisent le matériau, la coupe, les décors que doivent revêtir ou non les costumes. Ces ordonnances permettent d’étudier les évolutions de la mode. La multiplication de celles-ci s’explique aussi par l’emballement des phénomènes de mode qui nécessitent une réglementation plus importante qu’auparavant. Par exemple, à Nuremberg, la soie vénitienne est interdite pour les hommes de moins de 40 ans et les femmes doivent se contenter de tissus modestes et de coupes sobres. Les coupes sobres sont recommandées de façon générale. Il est interdit de tailler les vêtements dans le biais des tissus. Cela rappelle trop le costume chevaleresque. Les tissus doivent être unis et la longueur des vêtements est également règlementée ainsi que leur valeur. Les interdits ne sont pas univoques ce qui souligne la différenciation entre des groupes ayant droit ou non à certains vêtements. À Vienne au XVe siècle, la distinction se fait en fonction des capacités politiques (membres ou non membre du conseil, bourgeois, artisans, ouvriers). Ces réglementations font révéler au vêtement une stratification sociale et soulignent aussi un engouement bourgeois, une actualisation d’un ordre politique et social.

Enfin à Erfurt, dans le cadre d’une procession pour laquelle il est prévu que les conseillers et clercs soient encadrés par des hommes armés, il est précisé que ces derniers doivent être “beaux” au sens où ils possèdent une bonne allure de cour. Ils doivent aussi être de bonnes mœurs, éduqués et faire honneur à la ville. Le plus beau harnois est requis pour manifester le prestige de la ville mais aussi le prestige du groupe particulier des jeunes gens beaux. La démonstration de la force de la ville passe alors par l’apparat militaire et par le lien entre masculinité, défense de la ville et beauté visuelle. Le vêtement y revêt donc un rôle ambivalent. Il proclame la ville comme un groupe uni mais réalise aussi des distinctions internes au groupe et nécessaires à l’affirmation d’un pouvoir.

Discussion

Marion Chaigne demande si le port des vêtements urbains était uniquement imposé dans le cadre des manifestations publiques ou vraiment au quotidien. Morwenna répond que le port de cet habit n’est indiqué que pour le rituel d’élection et qu’il est probable que lors des réunions un signe distinctif soit arboré. Cependant nous ne disposons pas d’informations à ce sujet, les statuts codifiant plus volontiers les temps forts de la vie civique. Les lois somptuaires, étaient quant à elles appliquées en toutes circonstances. Marion demande si ces habits étaient systématiquement financés par la ville. Morwenna indique que pour les livrées, c’était toujours le cas. Marion voudrait alors savoir le coût relatif de ses habits dans les comptes de la ville. Morwenna précise que la messagerie représentait 10% du budget d’une ville mais qu’on n’a pas calculé la part précise des vêtements.

David Dominé-Cohn signale que Morwenna a surtout parlé de la mise en représentation de l’élite urbaine au sein de l’espace urbain, à l’exception des messagers. Que se passait-t-il quand les officiers se déplaçaient dans l’espace impérial comme par exemple dans le cas de la Diète ? Morwenna indique que ces comportements étaient très codifiés par l’ordre de préséance, les villes y étant figurée en dernier. Les patriciens devaient probablement être vêtus comme ils sont représentés dans les scènes de conseil c’est-à-dire en zibeline. David demande s’il n’existerait pas des détails pratiques dans les documents sur le vêtement au sein de la ville. Morwenna répond que oui pour l’interdiction de l’hermine, mais le manteau bordé de fourrure était un symbole. Il n’y a pas d’information en ce qui concerne la livrée. Il y a plus de représentations très codifiées dans les sources. Cependant, dans les représentations des diètes les patriciens ne sont pas identifiés par un vêtement aux couleurs de la ville. David voudrait savoir si l’aigle que portait le costume du messager lui assurait une certaine sécurité. Morwenna pense que ce n’était pas le cas. L’aigle désignait une ville comme étant impériale mais la sécurité était assurée spécifiquement par un sauf-conduit.

Elise Banjenec s’interroge à propos de l’application des lois somptuaires. N’existait-il pas des façons de les contourner ? Morwenna répond que  pour la ville, l’absence de répétition suggèrerait qu’elles étaient plutôt respectées. Cependant, comme les patriciens avaient largement les moyens de payer ces amendes, il n’est pas dit qu’ils aient beaucoup respecté ces lois. Elise indique qu’en France, les lois somptuaires furent souvent répétées car elles n’étaient pas respectées.

Diane Chamboduc demande s’il existe des inventaires mentionnant ces habits. Morwenna répond qu’à Erfurt non. Il est fait mention d’armes, mais seulement pour le milieu du XVIe siècle. Diane signale qu’en Italie, même dans les plus grandes familles, peu de tenues furent interdites car personne n’avait réellement assez de moyens. En effet, le coût des tenues était beaucoup trop élevé. Morwenna indique qu’à Vienne, des tenues pourtant peu coûteuses étaient également interdites.

Elise Banjenec, « La cour où l’on « s’harnachoit d’orfaverie »1 : les commandes de Philippe le Bon, duc de Bourgogne »

Elise est historienne de l’art et sa thèse porte sur tous les aspects de la commande d’orfèvrerie du duc Philippe le Bon. Elle nous présente dans le cadre de ce séminaire une partie de ces recherches en cours.

L’expression « L’habit ne fait pas le moine » nous met en garde : il ne faut pas se fier aux apparences. L’habit apparait donc ici comme un outil du paraître et de démonstration sociale. Si l’habit du moine doit souligner l’humilité et le renoncement aux biens de son porteur, pour la noblesse, l’ostentation est de rigueur afin de mettre en valeur une condition sociale élevée. Et quels éléments sont plus adaptés à ce but qu’un bijou, une ceinture richement ouvragée et toute autre parure précieuse ? En effet, si l’habit évoque avant tout un ensemble de pièces de tissu, il ne faut pas oublier que ce que l’on appellerait aujourd’hui les « accessoires de mode » font partie intégrante du costume. Ils le magnifient, l’ornent, le complètent et parfois même se substituent à lui. Il est alors intéressant d’étudier la place tenue par l’orfèvrerie dans le costume médiéval à travers un exemple prestigieux. Philippe le Bon, duc de Bourgogne (1419-1467), compta parmi les plus grands princes de l’Europe du XVe siècle. Ce duc étant connu pour ses somptueuses fêtes, son luxe ostentatoire et son grand nombre de dons, c’est en grande partie grâce aux objets précieux qu’il put construire son image de seigneur parmi les plus riches et les plus puissants. Le nombre d’objets précieux médiévaux parvenus jusqu’à nous étant très réduit, les archives de la recette générale de toutes les finances conservées à Lille nous fournissent des renseignements tout aussi précieux sur la commande d’orfèvrerie du duc de Bourgogne. L’analyse du vocabulaire qui y est employé pour décrire les bijoux et les parures précieuses ainsi que les indices quant aux utilisations qui étaient faîtes de ces objets soulignent leur appartenance au costume et la fonction politique qu’ils pouvaient y revêtir.

L’orfèvrerie regroupe tous les objets précieux en or et en argent et même en bronze doré en ce qui concerne les objets religieux. Parmi ces nombreux objets se trouvent les bijoux qui appartiennent au costume mais sont liés au vêtement à des degrés divers. Dans le cas des objets d’orfèvrerie les plus courants qui ont un rôle fonctionnel dans le vêtement, nous trouvons par exemple le plus souvent les ceintures ainsi que les agrafes et les fermaux (ou fermaillets) qui servaient à attacher entre elles des parties du vêtement. D’autres objets, s’ajoutent, complètent le vêtement tout en étant indépendants des pièces de tissus : on pense aux colliers, bagues ou aux couronnes que l’on retrouve sur les portraits médiévaux comme celui de Philippe le Bon par Rogier van der Weyden et dans plusieurs miniatures. Ces objets étaient le plus souvent en or, agrémentés de pierres précieuses, de perles et d’émaux. Philippe le Bon affectionnait particulièrement les diamants et les rubis taillés de différentes manières. Plusieurs de ces objets sont représentés sur le tableau de Petrus Christus où l’on voit un orfèvre dans son atelier avec un couple de clients. Ces bijoux étaient donc certainement des objets de luxe courants. Nous en avons aussi plusieurs exemples dans les registres de compte.

D’autres objets encore offrent un regard différent sur la relation entre le vêtement et l’orfèvrerie, une relation plus étroite et plus fusionnelle. On peut notamment prendre le cas très fréquent des vêtements civils ou militaires faits de riches tissus cousus d’or et agrémentés de perles et de pierres précieuses. Dans le vocabulaire utilisé pour décrire ces objets dans les articles de comptes, notons surtout que les mots « décoré » ou « orné » ne sont pas utilisés, on leur préfère le mot « garni ». Là où les mots « décoré » et « orné » suggèrent une idée d’ajout d’un élément qui vient se fixer sur le tissu mais n’en fait pas partie intégrante, le mot « garni » donne l’idée d’un élément qui n’est pas fixé sur le tissu mais « dedans » et fait ainsi partie intégrante de celui-ci pour qu’il remplisse sa fonction.

Un de ces objets a joué un rôle semble-t-il très important dans la vie politique de Philippe le Bon. Il est mentionné à la fois dans les comptes et dans les Mémoires d’Olivier de la Marche. Le chroniqueur bourguignon nous parle de la rencontre entre Philippe le Bon et le roi des Romains qui se déroula à Besançon en 1443. Frédéric IV contestait certaines possessions de Philippe le Bon. A cette occasion, le duc organisa des dîners pour son hôte et ses compagnons dont un est décrit par Olivier de la Marche. Celui-ci remarque un très riche bijou qui doit avoir impressionné les convives. Il semble que cet objet corresponde à ce qu’on appelle dans les comptes « l’écharpe ducale » et qui fut mentionnée en 1447 pour avoir été améliorée par l’orfèvre Etienne de la Poulle. Même si dans cet article, il n’est pas fait mention de perles – elles n’avaient peut être pas à être changées ou c’est un brodeur qui s’en est chargé – il semble bien que ce soit le même objet. Notons ici encore l’emploi du mot « garni ». Le pouvoir d’intimidation et de fascination des objets d’orfèvrerie sur les autres souverains pouvait ainsi s’exercer dans le cadre de pourparlers. Et le fait que Philippe le Bon ait pris la peine de le faire améliorer montre certainement que ce bijou satisfaisait particulièrement le duc. Il choisit donc de l’emporter avec lui à Besançon d’une part et de le porter en présence de Frédéric IV, afin de s’imposer aussi à lui comme un grand seigneur.

Malgré les pourparlers, il arrivait cependant parfois que le duc en vienne aux armes pour défendre ses intérêts. Et à nouveau dans une démarche d’intimidation, l’orfèvrerie intervenait également dans le costume militaire. Un autre extrait des chroniques d’Olivier de la Marche parle cette fois de la brillante armée de Philippe le Bon. Celle-ci partit de Dijon en 1443 pour asseoir le pouvoir bourguignon dans le duché du Luxembourg qui lui revenait par le traité de Hesdin mais dont plusieurs partis se disputaient encore les droits. La description que le chroniqueur fait des vêtements et harnachements des hommes et chevaux insistent sur la richesse des armures et des casques. D’ailleurs à plusieurs reprises dans les registres d’archives, le duc paya des brodeurs et des orfèvres pour réaliser quantité de vêtements couverts de paillettes d’argent et de sa devise. Les plus gâtés furent les archers de corps du duc et leurs capitaines dont les vêtements d’apparat semblent avoir été renouvelés très souvent. La richesse de l’armée du duc avait ici encore valeur d’intimidation de l’adversaire. Ce seigneur si riche et si puissant impressionnait sans nul doute ceux-ci grâce à ce biais et gagnait ainsi une partie de la guerre psychologique.

Ces exemples sont particulièrement intéressants car ils alliaient à la fois matériaux d’orfèvrerie et tissus et faisaient ainsi partie intégrante du vêtement pour le magnifier. Cependant, le bijou pouvait aussi bien non plus s’unir au vêtement mais se substituer à lui, dans son rôle symbolique en tous cas. C’est le cas pour un joyau ayant compté parmi les objets les plus importants du principat de Philippe le Bon : le collier de l’ordre de la Toison d’or. Philippe le Bon créa l’ordre de chevalerie de la Toison d’or en 1430 dans le but d’affirmer son indépendance politique par rapport à la France et à l’Angleterre mais aussi de partir en croisade, vœu qui ne sera pourtant jamais exaucé. Cet ordre fut de plus un excellent outil diplomatique permettant au duc de se concilier les grands personnages de Flandres et d’Europe. L’objet scellant cette entrée dans l’ordre était un collier dont le port était réglementé et obligatoire contrairement au costume complet – manteau et chaperon écarlates – qui n’était porté que lors des cérémonies de l’ordre. Le collier était donc l’objet de ce costume le plus symbolique et se substituait à l’ensemble de l’habit pour désigner un chevalier de l’ordre. Pour illustrer le rôle symbolique et politique fort de ce bijou, voici un exemple représentatif. Au chapitre de l’ordre à Gand en 1445, Philippe le Bon fit entre autre élire le roi d’Aragon en tant que chevalier de la Toison d’or. Cette alliance revêtait une importance particulière pour la réalisation de la croisade voulue par le duc. Il envoya donc un collier de l’ordre en Aragon et reçut en retour celui de l’ordre aragonais. Alphonse V d’Aragon, avant d’accepter le collier, eu quelques requêtes. Il voulait en effet ne pas avoir à porter le collier tous les jours comme stipulé dans les statuts mais seulement le dimanche. Ce qui symboliquement le laissait un peu plus libre par rapport à l’ordre comme il demande d’ailleurs aussi explicitement en voulant avoir la possibilité de juger un conflit avant d’y accompagner Philippe le Bon. Il voulait ainsi séparer le domaine politique de l’engagement chevaleresque. Cette vision des ordres de chevalerie était assez opposée à celle de Philippe le Bon. Ce dernier accepta finalement mais demanda les mêmes privilèges. Ainsi le port de ce collier, se substituant à celui du costume entier, désignait explicitement celui qui le portait comme chevalier de l’ordre de la Toison d’or donc personnage socialement très important, et allié politique de Philippe le Bon.

A nouveau dans le dessein de se lier aux personnes, de s’assurer leur fidélité, les commandes de Philippe le Bon en orfèvrerie étaient dans leur plus grande partie destinées à des dons. Ceux-ci étaient liés à l’idéal chevaleresque auquel Philippe le Bon était attaché ainsi qu’à la vertu de largesse qui y était inhérente. Notons tout d’abord que la valeur financière du don d’orfèvrerie croissait avec le rang social du destinataire. La valeur financière semble dépendre également de l’importance du maitre pour la politique de Philippe le Bon. Pour revenir plus spécifiquement au costume, il est très intéressant de remarquer que les ambassadeurs, les gens de l’hôtel et de l’administration ducale recevaient presque exclusivement des objets de vaisselle précieuse. Cependant lorsqu’il était destiné à un seigneur ou un noble personnage, la nature de l’objet donné changeait soit en un bijou ou un joyau, agrémenté de pierres et de décors. Ainsi même si le coût de l’objet était moins important, sa forme ou son décor se démarquait symboliquement ou artistiquement des dons aux gens plus ordinaires. Entre 1440 et 1450, un seul destinataire de bijou n’est pas issu de la noblesse. Pour son baptême, l’enfant du peintre Jan van Eyck s’est vu offrir une chaine d’or. Ce geste tendrait donc à prouver le statut et la considération particulière que le duc portait à l’artiste. La répartition des objets précieux en fonction du rang social du destinataire avait alors pour but d’affirmer et de maintenir l’ordre social et servait également le prestige et les intérêts politiques du duc. Dans ce contexte donc si l’habit ne faisait pas le noble, le bijou remplissait à merveille cette fonction.

Conclusion : Grâce à l’étude des objets précieux à travers l’exemple des commandes d’un des plus grands seigneurs de l’Europe du XVe siècle, fors est de constater que ceux-ci faisaient partie du costume au sens large, qu’ils y aient été intégrés ou plus indépendants, et assuraient, avec lui ou en se substituant à lui, ses fonctions de marqueur social, de sceau d’alliance politique ou encore d’objet d’intimidation.

Discussion

Marion Chaigne signale pour information que pour l’orfèvrerie conservée le catalogue de l’exposition du Louvre Paris 1400 est très intéressant. Elle demande ensuite ce qu’il en est de la dimension de thésaurisation que permet l’orfèvrerie. Elise répond que cette dimension est beaucoup plus revêtue par les objets de vaisselle précieuse que par les bijoux.

 Les Regrattiers de l’Histoire, « Le vêtement dans la reconstitution historique, costume ou déguisement ? »

Les Regrattiers d’Histoire nous font le plaisir de participer au séminaire en costume !

Leur intervention porte sur les difficultés de reconstitution, les sources, les résultats obtenus et les modifications qui sont réalisées en fonction de l’expérimentation. Ceci dans le but de répondre à la question : le vêtement dans la reconstitution : costume ou déguisement ? La reconstitution est un loisir mais dans une volonté de fidélité historique. La transmission est ensuite réalisée par le biais de fêtes et d’animations. La réalisation des costumes s’appuie sur une recherche dont les résultats sont expérimentés et modifiés en fonction de cette expérimentation. Cela permet des avancées dans la fidélité historique. La reconstitution est véritablement une remise en vie. On parle souvent d’histoire vivante ou de tableaux historiques vivants.

Isabelle, en tant que dame Loba, enlumineuse, détaille la démarche des Regrattiers qui se déroule en trois temps : la recherche, l’expérimentation et la transmission. Le postulat de la reconstitution est que l’habit fait le moine. En effet, il faut choisir un lieu géographique, une temporalité et une condition sociale sinon le vêtement n’aurait pas de sens. Une photographie d’une reconstitution montre un mélange hétéroclite de temporalités différentes : romain, viking, gens d’armes du Moyen Âge. Le vêtement y détermine qui est qui. Cet évènement est appelé « l’ost en marche » et consiste en une reconstitution de déplacement de troupes ou de civils en forêt de Rambouillet pour expérimenter les difficultés de déplacement avec les équipements. Il est d’autant plus important de s’intéresser aux vêtements en ciblant bien une condition et une temporalité qu’à la fin du XVe siècle, il est de bon ton de porter les habits de son état, de ne pas déroger à sa qualité propre. Selon Christine de Pisan, “tout raffinement vestimentaire qui dépasse les usages de son rang est à blâmer”. Les Regrattiers ont choisit le XVe siècle et la petite bourgeoisie urbaine de la région parisienne. Cette dernière information est très importante car les vêtements sont particuliers à telle ou telle ville. Pour la prostitution par exemple les signes n’étaient pas les mêmes d’une ville à une autre.

Parmi les sources utilisées par les Regrattiers, figurent comme pour les travaux des historiens, les sources figurées (enluminures, sculptures, gisants), pratiques (comptes, testaments), normatives (ordonnances, lois somptuaires), didactiques (Livre de la cité des dames, Messagier de Paris), moralisatrices (sermons) et narratives (romans, livres d’heures, etc.) La classification réalisée par Marie de Rasse dans son mémoire de Master II, « le paraître féminin à Paris aux XIVe et XVe siècle » est également particulièrement utile aux Regrattiers. Cependant, ces sources sont difficiles d’accès pour eux donc ils comptent sur les travaux des universitaires. Ceci à cause de l’impossibilité d’accès aux bibliothèques universitaires et à la difficulté à lire les langues de l’époque. Ils consultent alors  les mémoires comme celui de Marie, les ouvrages accessibles au grand public comme ceux de Michel Pastoureau sur les couleurs, les catalogues d’exposition, les revues papier et en ligne dont l’accès est beaucoup plus aisé. Ils utilisent également les travaux des conservateurs, visitent les musées et les expositions en mêlant plaisir et recherche. Enfin une source très personnelle aux Regrattiers est l’expérimentation qui permet de valider ou non les résultats de leurs recherches et d’opérer ou non des modifications de ce que les chercheurs ont découverts. Pour revenir à l’exemple de « l’ost en marche », quand on marche 19 km en une journée, cela permet de relire les sources. Pendant la grande buée sur les camps, a été expérimentée la fabrication du lessi avec la cendre de bois. Marc est teinturier de métier, et grâce à ce biais, il fait disparaître 60 à 75% des taches. Donc la cendre, ça fonctionne. Enfin dernier exemple, Nolwen travaille sur l’hygiène et la santé comme Marie le faisait et reproduit des crèmes de soin comme pour l’épilation à la chaux ou la coloration.

Une des principales sources utilisées par les Regrattiers est l’iconographie car elle est simple et facile à réinterpréter. Isabelle montre grâce à l’exemple d’une miniature illustrant le Roman de la Rose la similitude entre le vêtement noble qui est représenté et celui porté par Marie. Les coiffures des femmes sont très importantes car les cheveux détachés désignent les femmes de petites vertus. Parfois Satan est représenté sous la forme d’une femme aux cheveux libres dans les œuvres d’art. Les vêtements des Regrattiers sont plus proches des femmes des Très Riches Heures du duc de Berry même si ce sont des paysannes. Nolwenn porte une chemise blanche longue, une robe lacée devant à petites manches, une ceinture, un tablier et une coiffe. Le laçage est aussi un marqueur social important. En effet, une robe lacée dans le dos nécessite d’avoir des serviteurs. Le laçage sur le côté permet plus d’aisance pendant la grossesse. Le laçage devant quant à lui permet d’allaiter. Le vêtement a donc à la fois un côté utilitaire et un rôle de marqueur social. Pour les hommes, il existe les chausses fermées ou ouvertes. Elles sont attachées au pourpoint par des aiguillettes. C’est de là que vient l’expression “courir l’aiguillette”. Une autre expression “nouer l’aiguillette” signifie jeter un sort de stérilité. Le boutonnage du vêtement présenté ici comporte des œillets mais le bouton existait aussi. Les chausses ouvertes avaient pour avantage de s’ouvrir facilement pour les besoins et de se rabattre pour plus d’aisance au travail. On les trouve sur des représentations de personnages en plein effort. Un autre vêtement porté par Marc illustre une version pour le travail aux champs donc où les mouvements sont plus libres. Il est constitué de braies mi-longues jusqu’aux genoux sur lesquelles sont attachées les chausses que l’on peut détacher quand il fait chaud. Il porte toujours la ceinture à cause de l’absence de poche, pour y accrocher les objets de valeur ainsi que l’escarcelle pour les hommes et l’aumônière pour les femmes. Toute personne doit avoir la tête couverte : cale, turban, chaperon…. Pour les femmes, le chaperon est ouvert sur le devant. Pour les hommes, il n’est pas ouvert. Marc fait une démonstration du changement de position du chaperon pour les hommes qui peut servir pour se chauffer ou pour s’embellir.

Parfois les Regrattiers ont des hésitations. Lorsque sur une enluminure l’on voit une femme aux champs, la partie relevée de sa robe fait-elle partie du patron de la robe ? En fait, elle est simplement relevée et coincée sous la ceinture ce qui forme un bourrelet. Ce genre de représentation pose un problème car il faut arriver à obtenir des patrons plausibles et ainsi savoir si ces éléments font partie de la coupe ou, si ce n’est pas le cas, comment sont-ils positionnés pour obtenir cette image. Sur une enluminure de la cité terrestre et la cité céleste de Saint Augustin, une femme de petite vertu est représentée les cheveux détachés, avec un laçage qui bat de l’aile et en pleine conversation galante. C’est l’image de la prostituée comme on la reconnait dans les villes. Sur une enluminure représentant Saint Antoine face au diable, ce dernier est représenté par une femme rousse les cheveux dénoués. Une image pose toujours problème aux Regrattiers. Sur le diptyque de Melun de Jean Fouquet, Agnès Sorel est figurée en Vierge à l’enfant avec une robe ouverte sur le devant. Se pose alors la question du renflement au bas de son corsage, au niveau de la taille : fait-il partie du patron ou est-ce un élément du vêtement qui aurait été descendu ou remonté ? Irène demande alors à quel type social appartient normalement cette robe. Les Regrattiers répondent qu’elle appartient plutôt aux très riches vêtements puisque le même élément se retrouve dans la “carole” du Roman de la rose. Cependant, l’iconographique présente des limites : les couleurs qui peuvent avoir passé, la volonté des artistes. Les livres d’heures s’adressant aux populations princières, ils ne sont peut être pas très précis en ce qui concerne les habits paysans. Il faut aussi faire attention à nos propres interprétations, aux censures et aux incertitudes de provenance. La question de l’anachronisme se pose notamment. Les Regrattiers ont retrouvé une illustration dont avait parlé Marie de Rasse à la séance précédente à propos de l’iconographie du mari dominé par sa femme. C’est elle qui porte les braies et le mari porte la quenouille.

Les axes de progression de la reconstitution sont enfin de recommencer les relectures, les refaire ensemble et de chercher les erreurs. C’est aussi de tenter de créer de vrais individus avec une véritable histoire en leur donnant non seulement une activité mais une filiation. Par exemple, Michel porte un costume de militaire italien de la fin du XVe siècle avec des chausses séparées. Il a imaginé un soldat français passé en Italie en tant que mercenaire et qui a réussi car il porte des bijoux ainsi qu’une dague. Marc travaille sur un personnage qui serait le fils caché de Nicolas Flamel ou Nicolas Flamel lui-même s’il a réellement découvert la pierre philosophale. Il travaille également sur un anagramme. Pour finir, Dame Loba était une enlumineuse.

A propos de son nom, Pierre Levron tenait à revenir sur le nom « Na Loba » évoqué lors du séminaire du 18 novembre 2011 et précise que lober (“louer, tromper”) vient du francique *lobbôn et ne possède pas de dérivés en occitan, selon le FEW. Loba (“la louve”dans la langue de Peire Vidal) pourrait s’apparenter à l’adjectif lobal (“avide de, cupide”), ce qui mettrait en exergue l’avidité sexuelle de la dame. Jaufre Rudel évoque bien son avidité amoureuse dans lan quan li jorn son lonc en mai…(ver ditz qui m’apela lecheor/e desiran d’amor de lonh). Quant à Guillaume de Palerne: c’est le titre d’un roman dans lequel le héros éponyme et son aimée Melior sont protégés par un loup-garou. Il a été édité par Alexandre Micha (Genève, Droz, 1990, TLF).

Conclusion : le déguisement fait le comédien et le costume fait le reconstituteur. Les Regrattiers font, pour finir de manière plus festive, soupeser les armes avec lesquelles ils font l’ost : un casque molletonné et une cotte de maille. Ils précisent qu’il faut faire attention à la couleur et surtout à l’intensité des teintes en fonction de la catégorie sociale à laquelle le personnage appartient. Le pigment a donc à la fois une fonction utilitaire et de marqueur social car tous les pigments ne sont pas à la portée de toutes les bourses. Le pigment noir par exemple est difficile à obtenir et à conserver donc plus couteux que les autres.

Elise Banjenec

  1. Citation de Martial d’Auvergne à propos de la cour de Philippe le Bon. []

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Créé en 2001 par des doctorants de la Sorbonne, le groupe Questes est une association interdisciplinaire et interuniversitaire proposant des séminaires mensuels, organisés et animés par des doctorants médiévistes. Questes rassemble aujourd'hui plus de cinq cents personnes en France, en Europe et dans le monde.

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